Художники идут к вам

С 20 по 23 сентября в Петербурге уже в шестой раз пройдёт Международный фестиваль паблик-арта «Арт Проспект». В преддверии этого события один из кураторов фестиваля Лизавета Матвеева рассказала Masters Journal о подобного рода проектах и организациях в Нью-Йорке, где паблик-арт давно стал одной из самых востребованных художественных практик. 

Фестиваль «Арт Проспект» был начат в 2012 году как проект, призванный изменить привычный образ городских пространств в Санкт-Петербурге. Посредством размещения искусства в общественных зонах фестиваль привлекал внимание локальных сообществ и жителей района к современному искусству. Художники в рамках проектов «Арт Проспекта» зачастую говорят о тех проблемах, которые характерны для локальной среды. Искусство уже давно перестало быть объектом созерцания: в 1960-х и 1970-х годах в США художники осознали его способность вовлекать публику, инициировать диалог внутри сообществ и между ними, вызывать позитивные изменения.

Первые фестивали «Арт Проспект» проходили во дворах вдоль Литейного проспекта и тем самым отсылали к инициативе американского художника Эда Вудхема Art in Odd Places. Этот проект был начат как реакция целой группы художников во главе с Вудхемом на культурную Олимпиаду 1996-го во время Олимпиады в Атланте. После своего переезда в Нью-Йорк в 2005-м Вудхем пересмотрел идею проекта как ответ на сокращение публичных пространств и свобод горожан. Сначала фестиваль проводился в Нижнем Ист-Сайде и Ист-Виллидже, а затем, в 2008 году, переехал на 14-ю улицу на Манхэттене, где проходит и по сей день. Это низовая инициатива, основанная на энтузиазме вовлечённых художников и самих организаторов. Размещение искусства в буквально «странных» (odd) местах помогает расширить границы коммуникации. Такого рода проекты напоминают нам о том, что публичное пространство функционирует как эпицентр социальных взаимодействий и обмена идеями. В этом году фестиваль проходит с 2 по 27 октября, и курирует его Катя Гроховски. Тема фестиваля звучит как «Тело». К участию приглашены художницы и художники, идентифицирующие себя в роли женщины или небинарного человека, а также феминистские коллективы. Фестиваль этого года посвящён месту Другого в городском пространстве и препятствиям, связанным с гендерной идентификацией, непохожестью, критериями красоты, возраста, здоровья и нормы.

Одной из самых первых институций, работающих с искусством как инструментом социального вовлечения, можно, пожалуй, считать Creative Time. Основанная около 40 лет назад, она представила многие амбициозные художественные проекты в США (в том числе в Нью-Йорке) и других странах. Спектр осуществлённых социально ориентированных проектов крайне широк: от двух прожекторных лучей на месте башен-близнецов на Манхэттене через полгода после трагедии до автобусной рекламы, призывающей к ВИЧ-грамотности. Creative Time в организации проектов руководствуется тремя главными идеями: искусство имеет значение; голос художников важен в формировании общества; публичное пространство есть место для свободного творческого высказывания. Эта институция показывает актуальное искусство, вовлекающее широкую аудиторию и разрушающее географические, расовые и социально-экономические барьеры. Например, в 2013 году Creative Time совместно с Центром феминистского искусства Элизабет Саклер в Бруклинском музее поддержала проект Between the Door and the Street классика социально вовлечённого искусства Сюзанны Лейси. Художница отобрала 400 женщин и несколько мужчин, дабы представить многообразие поколений, биографий и взглядов во время специальных диалогов, устроенных на ступеньках домов возле Парк-Плейс, в одном из жилых кварталов Бруклина. Участники проекта вели разговоры об актуальной гендерной политике, что привлекало множество прохожих и людей, живущих в этом районе, — публика просто слушала, а также высказывалась сама. Проект длился целых пять месяцев и стал органичной платформой для равноправного диалога разных участников ситуации, которую инициировала художница.

Кроме организации самих художественных проектов, Creative Time также устраивает ежегодные саммиты, объединяя профессионалов, работающих в сфере взаимодействия искусства и политики. В 2018 году саммит будет проходить с 11 по 13 ноября в Майами, под названием On Archipelagos and Other Imaginaries — Collective Strategies to Inhabit the World: он затронет проблемы иммиграции, климатических изменений, джентрификации, туризма как средства неоколониализма и осмыслит роль искусства и активизма в нынешней повестке дня.

Созданием платформы для исследования самой сферы паблик-арта и искусства социального вовлечения занимается и такая организация, как Projects for Public Spaces. Она специализируется на теме «создания места», placemaking (термин, который сформулирован и активно используется этой институцией). В деятельности PPS искусство становится одной из многих составляющих, формирующих комфортное публичное пространство, будь то парк, пляж, рынок или порт.

A Blade of Grass — организация, поддерживающая индивидуальные проекты художников, стремящихся инициировать диалог с определёнными социальными группами, жителями конкретных мест и затрагивать проблемные вопросы. A Blade of Grass привлекает авторов, чьи идеи нацелены на достижение позитивных социальных изменений и формирование дискурсивной платформы, которая посвящена эстетике, функциям искусства, этике и значению социально вовлечённого искусства, резонирующего с современным искусством в целом. Уже упомянутая Сюзанна Лейси в 2014 году осуществила проект De tu Puño y Letra (By Your Own Hand) при поддержке A Blade of Grass: она использовала письма 10 тысяч эквадорских женщин об их травматическом опыте домашнего насилия. Сами письма, по мнению художницы, представляли собой оправдательные записки о подобном поведении, поэтому она решила привлечь группу мужчин, чтобы они читали эти интимные письма от лица женщин. Чтения проходили публично и состояли из нескольких частей, где мужские голоса практически сливались в хоре, заостряя внимание на проблеме и представляя её с совершенно иной стороны.

Другой проект, FIELDWORKS, поддержанный A Blade of Grass, был создан художницей Сол Араменди в 2015 году и представлял собой мобильное приложение для наёмных рабочих, где они могли бы делиться своим опытом работы на того или иного нанимателя и обозначать его рейтинг. Тем самым художница дала наёмным рабочим возможность обезопасить себя и коллег по цеху от кражи зарплаты. Так художественный проект стал скорее социальным, хотя в нём использовались инструменты, характерные для искусства, и он был инициирован художником.

Culture Push — основанная в 2008 году организация со схожим посылом, который заключается в живом обмене идеями между различными сообществами, профессиональными художниками и не-художниками, вне зависимости от возраста, культурной идентичности и географии. Culture Push даёт художникам возможность развивать свои навыки в создании социально вовлечённых проектов и новых моделей мышления. Через подобные проекты организация в целом и каждый художник в частности размышляют над вопросом, куда в наши дни может двигаться искусство.

Канене Айо Холдер и Джоди Лин-Ки-Чоу сделали перформативный проект Joncanooaacome at the Crossroads, основанный на древней африканской традиции праздника Джонкану (XIV век): проект представляет собой сатирическую церемонию деколониализации. «Рабы» оделись в орнаментальные костюмы с большими шляпами, повторяющими особняки их «хозяев». Художницы организовали ситуацию, когда люди, живущие в Бруклине, участвовали в ритуальных танцах и создании костюмов для празднования. В этом районе Нью-Йорка по-прежнему существует порядка 80 улиц, названных в честь рабовладельцев, и поэтому для авторов проекта крайне важно сделать видимым образовавшееся слепое пятно и повысить осведомлённость людей.

Разумеется, сфера паблик-арта в Нью-Йорке не ограничивается этими пятью организациями и объединяет множество инициатив. Каждая организация специализируется на определённой теме, месте, аудитории или дисциплине. В данном контексте важно также упомянуть и большой проект нью-йоркского метрополитена Arts in Transit, начатый ещё в 1980-х, когда подземка находилась в упадке и была крайне небезопасна для жителей мегаполиса. Так, в разные годы в нью-йоркском метро появились работы Роя Лихтенштейна, Олафура Элиассона, Тима Кёртиса, Эми Ченг и многих других, и метро превратилось в городскую галерею искусств. Практика подобного рода организаций показала, что искусство в общественном пространстве выполняет важнейшую социальную функцию. Ещё в 1930-х годах правительства СССР, США и Германии в целях пропаганды использовали всем известный агитплакат, один из прообразов сегодняшнего паблик-арта. Художники обладают силой и голосом, и в существующих обстоятельствах они способны инициировать диалог, привлечь внимание горожан к проблемным зонам и вдохновить на активные созидательные действия.

---

Текст: Лизавета Матвеева

Заглавная иллюстрация: Данини, проект «Перформанс по вызову: Районный кейтеринг». © Арт Проспект, 2018